viernes, 31 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #63 JORDI MARANGES “El Cazador” remixed by ACOV







JORDI MARANGES
“El Cazador” remixed by ACOV
Single publicado el 29 de octubre de 2018 en plataformas digitales, y a la venta. Incluido en el EP ‘Espasmo’. Primer remix, extended, publicado en soundcloud en 2015.
Autoeditado.
Escucha la discografía de Jordi Maranges aquí.



La última versión, más corta, de "El Cazador" remixed by ACOV





EL PODER CAMALEÓNICO DEL REMIX
El músico mallorquín Jordi Maranges tras su paso por la banda El Diablo en el Ojo (banda que publicó en el sello Primeros Pasitos y  actuó en festivales como el Isladencanta, el Mercat de Música Viva de Vic o el FIB), luego tuvo un proyecto fugaz El Piano Ardiendo (junto a Marc Melià, actualmente en Lonely Drifter Karen) inició en 2010 una carrera en solitario (con cinco discos editados) en la que se ha movido por el cabaret pop, el rollo crooner, "paisajes cinematográficos todavía sin filmar", la canción mediterránea, la canción reivindicativa LGTBI, o la vertiente synthpop de su penúltimo EP ‘Espasmo’ (2018) con canciones como “NMGT”, (=No Me Gusta Trabajar). “Se mueve entre los sintetizadores de Giorgio Moroder, la sensibilidad de Perfume Genius o el drama queen de Marc Almond: Maranges aparece como un chansonnier del siglo XXI” se define.

Ya tiene mezcladas y listas tres nuevas canciones que posiblemente formen parte de un LP. Son tres temas radiantes: “Sentimental”, un tema dance liberador y pletórico. “David y Jonatán”, una canción de pop electrónico con un toque de música urbana y “La Balada del Hombre Penetrado” con temática muy metida en sexualidades diversas y liberadas, con un estribillo muy carnal. Un EP variado, diverso y pegadizo.

Maranges también ha estado involucrado en proyectos diversos como el Homenaje al escritor Jean Genet con colaboración en la performance de Luis Jaume y N’Ejú Servera que pudo verse en directo en el Museo Es Baluard, dentro el Atlántida Fest de 2019. También residió en Berlín dónde colaboró con la cantante de cabaret Cora Frost. Dentro del proyecto Transmediterranean Express tocó en Grecia y en España con el cantante Giorgis Christodoulou. Además de todo eso, sus videoclips son exquisitos, para prueba “La Estación Pactada” dirigido por Santiago de Lucas y “De la meva infantesa” dirigido por Marijo Ribas, ambas canciones de su EP ‘Món Físic’ (2016) o "Hacerme Daño" dirigido por Daniel Riera.

Los pinitos de Jordi Maranges con la electrónica vienen de lejos. En 2015 cuando lanzó el EP ‘El Cazador’ ACOV le hizo un remix chulísimo, muy electro. Ese remix llamó la atención de Tomás Fernando Flores que lo pincho en su programa radiofónico Siglo XXI, de Radio 3. Con un minutaje de más de 6 minutos. Posteriormente en el EP Espasmo incluyó una versión acortada a poco más de 4 minutos. Yo me decanto por la versión larga, pero esa remezcla transmite energía de pista de baile y levanta la pasión interna: “como las llamas al mártir, como el cuchillo a la carne, como tú, mi cazador” dice entre sus versos. Como “El Cazador” una canción ‘crooner’ con un punto muy de autor se transforma en un abanico de beats, con mucha ida y venida de melodías, clictches, “uuuhhhss” y un meneo sideral. Clase y baile.










jueves, 30 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #62 JESS CORNELIUS “Body Memory”






Foto de Jess Cornelius en 2018 por Rachael P. Cassells.


JESS CORNELIUS 
“Body Memory”
Publicado el martes 23 de junio en las plataformas de streaming y a la venta. Incluido en el disco ‘Distance’ publicado el viernes 24 de julio de 2020.
Editado por Part Time Records (Australia / Nueva Zelanda), Loantaka Records (USA).
Puedes escuchar a Jess Cornelius en su bandcamp.





          LA VIDA COMO SUPERACIÓN
Descubrí a Jess Cornelius hace unas semanas gracias a una melómana de pro como Blanca Orcasitas (conocida como dj Blanca dB), y me sorprendió gratamente por su capacidad compositiva, su voz y sus canciones que son perfectos revulsivos para superar escollos y dejar pasar la luz a tu vida. Esta neozelandesa, nacida en Wellington, se mudó a Melbourne y monto la banda Teeth & Tongue, que editó cuatro discos entre 2008 y 2016. Cuando la banda se disolvió se fue a vivir a Los Ángeles. Allí, ya en solitario publicó en 2017 ‘Nothing is Lost’, un EP de 5 canciones publicado en el sello Dot Dash/Remote Control, en la que sobresalía una espléndida balada demoledora “Love and Low Self Esteem”, que recupera para cerrar ‘Distance’.

De ‘Distance’, su primer disco en solitario publicado hace unos días, escuché antes sus cuatro sencillos de anticipo: un medio tiempo como “No Difference” donde trata de sacar energía para seguir adelante, un medio tiempo rock como “Kitchen Floor” donde duele la pérdida a través de las estancias de una casa, “Here Goes Nothing y “Body Memory”. Pero el disco entero es un canto a la supervivencia. El amor se cuestiona tanto que ciega, como al final de “Palm Trees” desprende pura belleza épica. Un disco completo donde la soledad sobrevive, el desamor se alza pese al desaliento. “Banging in my head” me recuerda a un cruce entre Weyes BloodPJ Harvey.

“Body Memory” tiene una letra peliaguda. Que habla sobre la pérdida de un hijo, en un embarazo. Y la memoria que crea en el cuerpo sobre esa experiencia. Aprendizaje duro, como la vida misma ¿El amor del otro como salvación? En el fondo darte cuenta que eres tú mismo quién te tienes. Que esa es una verdad real y que es suficiente. El videoclip es ilustrativo. Con la propia Jess Cornelius embarazada con chándal corriendo por una zona desértica y solitaria. La música synth pop de la canción enlaza con “Turn, Turn, Turn” (o incluso con “Do Harm”) de Teeth & Tongue de su disco póstumo de 2016, y me recuerda el “1979” de The Smashing Pumpkins pero en un cariz más trágico. La vida como superación. La música como salvación.




Foto de Jess Cornelius en 2020, por Rachael Pony Cassells










miércoles, 29 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #61 GUSTAVO REDONDO “El Parque de la Victoria”



Portada del sencillo "El Parque de la Victoria / Los Misterios de Interior" por Jokin Fernández (c).



Foto de Gustavo Redondo, por Marina Neira (c).


GUSTAVO REDONDO
“El Parque de la Victoria”
Single publicado el viernes 13 de marzo de 2020 en plataformas digitales, y a la venta. Incluido en el single ‘El Parque de la Victoria / Los Misterios de Interior’.
Edita Retrológico (autoeditado).
Escucha a Gustavo Redondo aquí.



 EL POP COMO COSA FINA

         El músico Gustavo Redondo, natural de Pedro Bernardo (Ávila), está lanzado como músico (toca los teclados y la guitarra en la banda de Willy Naves) y productor (Cucudrulu, Mr. Sóriver entre muchos otros). Formó parte junto a su hermano (Rodolfo Muñoz Redondo) de la mítica banda de pop independiente Los Pedales. Cuando compone bajo su nombre artístico, Gustavo Redondo, desprende una sensibilidad muy personal. Publicó un primer disco en solitario, ‘Vacaciones en el Campo de Batalla’ (2015), que asentó las bases de lo que iban a ser sus canciones pop, su estilo propio como compositor de gran calado.



Redondo resulta ser un orfebre del pop, que gusta de arreglos preciosos, sinuosos, elegantes y eficaces. Su música desprende siempre historias de vida: llenas de entusiasmo, reflexión e impulso vital. Me conmovió su anterior disco ‘Gigantes y Diminutos’ (2017), un álbum completamente instrumental: hermoso, pletórico, intimista, desgarrador. Como anticipo de su nuevo disco en octubre de 2019 publicó “Fila India”, que ya adelantaba ese pop soberbio con arreglos de viento y cuerda que se avecinan.



“El Parque de la Victoria” es una canción con armonías delicadas, de esas que calan hondo, y aderezado con unos coros preciosos de Nat Simons y Helena Poza. Su letra habla de aprendizajes, de revivir lo oscuro, pero también de prevenir desastres, de tomar decisiones necesarias. “Es mejor la emoción que las emociones fuertes. Y si no me haces feliz habrá más gente. Habitando en este espacio encuentro historias. Si busco el columpio en El Parque de la Victoria”, dice en su estribillo. Se complementa con “Los Misterios de Interior” una canción que finaliza en todo lo alto con unos arreglos gloriosos de teclados (¿vibráfono? muy en la onda del theremin) y de vientos. Canciones para refrescar un verano o suavizar un invierno.





"Prioridad" es una canción que Gustavo Redondo publicó el pasado marzo. 
Con motivo del Piano Day.


Videoclip de 'Las Horas Frágiles' de su disco 'Gigantes y Diminutos'.



Gustavo Redondo tocando una versión al piano de "El Lugar del Crimen" de LOS PEDALES.

martes, 28 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #60 AIALA “Listen”





Portada del sencillo "Take a deep breath". Foto de Xavi Pérez.


AIALA
“Listen”
Publicado el viernes 28 de junio de 2019 en las plataformas de streaming y a la venta. Incluido en el álbum “Nothing Less Than Art” publicado el 13 de septiembre de 2019.
Editado por Kasba Music.


          EL SWING DE TU VOZ
         Aiala es una vocalista con un amplio registro y a la que preveo buen futuro si se rodea de buenos productores. Me decía un amigo experto en música negra que a España le falta mucha cultura en esos géneros. Tanto al público, en receptividad, como al sector musical, que debería buscar una producción de alto copete. Hay talento pero a las producciones les falta fuelle, pegada, solvencia.

       Su último sencillo, lanzado el pasado 17 de julio, “Take a deep breath” me ha dejado a medio gas. No sé si es la producción tan old school de ElTornado. Esos “aaah yeah” me parecen de la prehistoria. O los scractches forzados, poco frescos. No me llega la onda. Y me fastidia, porque le veo con mucho potencial. Aiala deberá buscar originalidad y no ser la Alicia Keys española. De lo contrario se convertirá en una réplica de algo ya escuchado, manido.

         He elegido “Listen” como canción del día, aunque data de 2019, porque es una canción con un desarrollo envolvente, entre ritmo, teclados, arreglos de viento, con una finura en las voces. Y su producción tiene soltura. Va libre y con mucha entrega. Me llega, me seduce. Su videoclip me aleja del concepto, de lo sugerente de la canción. Si Aiala explota esta línea de soul, funk, R&B, con un toque acid jazz, le auguro buenos resultados.


"Listen" de Aiala en directo en Betevé.




Videoclip de "Take a deep breath" su último sencillo. 




"Pawn it all" en directo, de Alicia Keys.


lunes, 27 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #59 NDIGO DAYS “Wait and See”





INDIGO DAYS
“Wait and See”
Publicado el domingo 31 de mayo en las plataformas de streaming y a la venta.
Autoeditado.
Puedes escucharles aquí.




         LUZ PARA TUS OÍDOS
         El cuarteto Indigo Days, establecido en Madrid, representa una buena mezcla de nacionalidades (británica, española, argentina) pero su idioma común es el pop anglosajón. Construyen deliciosas canciones pop como su anterior sencillo, “Here today” publicado el pasado febrero (con Sebastián Litmanovich (Cineplexx, Papaya, Kelamore y Antonna) como vocalista invitado), que contenía la energía vital de Nada Surf, Echobelly o de The New Pornographers. Sus canciones son pegadizas, coreables y juguetonas. Cantan a la pérdida o la ilusión, al desencanto o a la esperanza, al desamor o al flechazo.

         “Wait and See” es el tercer adelanto de su disco, ‘The Rise of the Underdogs’, que presumiblemente se editará en otoño. Me recuerda esa preciosa melodía del “Here’s Where the Story Ends” The Sundays. Indigo Days poseen esa mirada de paciencia con la vida, de levedad ante las desgracias, de no decaer o sucumbir. Y eso me gusta porque su música irradia luz entre tanta oscuridad. Desde luego mucho tiene que ver esa perfecta combinación de voces de Victoria Doldán (voz) y Rachael Nobbs (voz, guitarras y trompeta). O las melodías compuestas por la propia Rachael, acompañadas de las guitarras de Guille Silvetti (también coros). Acompañan Pablo Castilla (bajo) y Juan Ricci (batería). Deja que sus rayos de pop te aporten tu dosis diaria de vitaminas. Con Indigo Days el pop vuela alto.







viernes, 24 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #58 FOMINDER “Magia Bajo Cero” Remix Mario Ronchel






El trío maño Fominder, en foto promocional.



FOMINDER
“Magia Bajo Cero” Mario Ronchel Remix
Publicado el viernes 10 de junio de 2020 en plataformas digitales y a la venta.
Incluido en el disco ‘Magia Bajo cero’ (2019).
Editado por Polar Records.
Escúchales aquí.


          

          OSCURECE EN LA PISTA DE BAILE
La banda zaragozana Fominder formada por Juan Fominder (voz, programaciones, teclados), Santi Tejero (bajo) y Joaquín de Carpi (batería) está de suerte de haber encargado un remix a Mario Ronchel, porque se adapta a la perfección a su synth pop y suelta toda la artillería para la pista de baile. Y consigue amplificar la canción en un bombazo mayor. Y es que el músico Mario Ronchel hace tiempo que transita por el universo de la electrónica con su proyecto Radical 207 y ahora ha empezado a hacer labores de producción y remezclas. Fue bajista de Autumn Comets y ahora en el grupo Cortadura.

 ‘Magia Bajo Cero’ es el tercer álbum del trío Fominder, editado en noviembre de 2019 (el primero, ‘Kosmodermia’ data de 2013, y el segundo ‘El Circo Robado’ de 2015), en una mezcolanza de dark synth pop de corte ochentero. Un disco cargado de densidad, brumas, recuerdos y miradas introspectivas. La canción que da título al disco también posee esa atmósfera, y aporta una melodía contagiosa. El remix de Mario Ronchel aumenta el minutaje de “Magia Bajo Cero” que pasa de los 3’40’’ a 5’16’’ pero incluyendo una vertiente bailable y consiguiendo no perder un ápice de intensidad. El remix de Mario resalta las virtudes synth pop y les insufla un ritmazo electro. En un futuro próximo vislumbro clubs dónde pinchan este remix, como inicio de una gran noche en la que embriagados por la magia se querrá bailar hasta el final.




jueves, 23 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #57 MALAMUTE “Todo el mundo está en Japón”








MALAMUTE
“Todo el mundo está en Japón”
Publicado el viernes 17 de julio de 2020 en plataformas digitales y a la venta.
Editado por Snap! Clap! Club.
Escúchales aquí.





         ¡DÓNDE ESTÁS MUNDO!
(MÁS ALLÁ DE MI AGUJERO)
Me lo dijo mi amiga Sandra Roncal, la capo del pop, la dueña del Fotomatón Bar de Madrid.  Si lo dice Sandra, que sabe de pop la tira, hay que escuchar con atención. Y es que ha dado en el clavo: nos encontramos con una banda pletórica. Y con otra canción alternativa del verano. Aunque también podría caer en esta categoría su anterior single “La Espiral’ (publicado el pasado 5 de junio) porque es fulminante, con estribillo genial: “Sería tan guay si tuviera carisma” es de los versos más molones que he escuchado últimamente. Me parto.

Malamute son otra banda de rabiosa actualidad y de adictivo descontrol. Suenan a pop en muchos de sus estados. Sus letras son una manera de reírse de tus miserias. Hay desparpajo y muchas ganas de pasárselo bien. Y más allá, de que el oyente lo goce escuchando sus canciones. Malamute es un dúo formado por Irene Gutiérrez (voz) y Diego Jiménez (programaciones, guitarras), cántabra ella, madrileño él.

Lo primero que publicaron fue un EP con 4 canciones en noviembre de 2019. De título homónimo, ese EP ya daba buena prueba de sus ingredientes principales y preferidos, y de toda su artillería de socarronería. Me gusta su sentido del humor. Son directos, no muestran dobleces. “Me gusta, me gusta, la carne humana, te huelo desde aquí” cantan en “Crudo”.

En “Todo el mundo está en Japón”, tercer single editado este año tras “Buenos días” (otra maravilla) y “La Espiral”, reluce el punk pop más dicharachero y juguetón. Parece una canción dedicada a esos instagramers que retratan todos sus viajes alucinantes: Japón, Nueva York, Berlín. El postureo y el vender ese falso rollo hipster, cuando se es pijo de nuevo cuño. “¿De dónde sacan el dinero, cuando viajan al mundo entero? ¿De dónde sacan el dinero, cuando salen del agujero?”. La producción es de uno de los grandes, Carlos Hernández Nombela, que consigue que suene poderosa. La portada es una ilustración naif y chula de Olaya Pedrayes (Axolotes Mexicanos). Cuando la vida es pop, Malamute. Malamente si no te meneas porque Malamute son la nueva revolución pop.




miércoles, 22 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #56 CUCHILLAS “Me gustaría”





CUCHILLAS
“Me gustaría”
Publicado el viernes 3 de abril de 2020 en plataformas digitales y a la venta. Incluido en el EP ‘Obras Completas’ editado el viernes 17 de julio de 2020.
Editado por Futuras Licenciadas.
Escúchales aquí en su bandcamp.
Escucha su EP ‘Obras Completas’ en el bandcamp del sello Futuras Licenciadas.




          ¡FRESQUÍSIMO!
Existe una nueva hornada de bandas de punk pop, noise pop y power pop, que recuperan el rollo de la nueva ola ochentera. Lo hacen con mucha frescura, con mucho desparpajo, y además enganchan. Uno de esas nuevas bandas es el cuarteto maño Cuchillas, formado por Sara Cortés (voz, guitarra), Emiliano Montani (guitarra, coros), Jorge Martínez (bajo) y Rafael Charry (batería). Estoy convencido que van a dar que hablar. Lo tienen, lo llevan y ya crean grandes canciones. Por si eso fuera poco, acaban de fichar por Intromúsica.

Lanzaron su primer sencillo en noviembre de 2019 “Fumar”, una canción que tiene un punto oscuro, garajero que me trae a la memoria a los primeros Gabinete Caligari. Incluso diría yo que esos riffs y bajos tienen un punto arraigado con la tierra. Y su sonido también me enlaza con los pamplonicas Kokoschka.



 Su primer EP, ‘Obras Completas’, lo ha editado el sello valenciano Futuras Licenciadas. E incluye cinco canciones, más una canción oculta (“El Palacio de Cristal”) en la edición en vinilo. 5 canciones afiladas como “240” o trepidantes como “Buenas tardes Salud!”, dos de mis favoritas del lote.

“Me gustaría” fue el sencillo que anticipó este EP, es radiante, vibrante, tiene una pegada fulminante en el riff. “Hacer con el ruido algo que quede guay”, dice una de sus estrofas. Y queda guay, desde luego. Me recuerdan a bandas españolas como Los Romeos, o me suena con la furia de Weezer del ‘Blue Album’, en una mezcla entre “Buddy Holly” y “Holiday”. El amor, compartir, viajar, los sueños, saber decir no, el lícor húngaro. Cosas que movilizan. Y rematan diciendo “Si viajamos juntos dime que querrás quemar”. Ganas de verles en directo.


"Me gustaría" remix de Send Dudes. El Making of.

martes, 21 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #55 RUSOS BLANCOS “Más miedo que vergüenza”





RUSOS BLANCOS
“Más miedo que vergüenza”
Publicado el viernes 24 de abril en las plataformas de streaming y a la venta.
Editado por Intromúsica.

*Puede serviros leer la reseña mientras escucháis la canción.



"Más miedo que vergüenza".


LA CRISIS SIEMPRE ESTUVO AHÍ
El último sencillo del grupo Rusos Blancos persigue la esas canciones pop excelsas, con final en todo lo alto. Rematado con coros, teclados, cuerdas y guitarras. Posee la clase del pop elegante anglosajón con letra cargada de reproches y culpas.
El quinteto madrileño liderado por el tándem compositivo de Javier Carrasco (teclados, programaciones y coros) y Manuel Rodríguez (voz) sabe facturar canciones pop redondas. Rusos Blancos también son Iván Jávega (guitarras), Javier Monserrat (guitarras, que no sé si está de manera intermitente o ha dejado el grupo por vivir en el Levante), Pablo Magariños (batería, percusiones) y Laura Prieto (bajo).

Más miedo que vergüenza “habla de lo que se da y se recibe en las relaciones, o de lo que se cree que está dando y se querría recibir. Y del momento en que te das cuenta de que este balance no te convence del todo”, explica en la nota de prensa Manuel. De las crisis de pareja que siempre acechan. Como un elemento que parece que quiere jugar en la relación en cualquier momento.

El sencillo está producido Diego Castro con Enrique Borrajeros,   “contribuyendo mucho a que suene tan enérgica, como también lo ha hecho el máster y la mezcla de Carlos Hernández”, añade Manuel. La portada es un homenaje-robo a uno de los discos favoritos de Manuel, el ‘Ready to die’ de The Notorious B.I.G.  Está hecha por Iván en una foto de su sobrino con un perro que se nos ocurrió al ver la foto del sobrino de Iván con el perro”.

Es una buena canción, pegadiza, imponente. Con una melodía pop resuelta, fogosa que suena a hacerse mayor y a lo que duelen esos juegos a muerte, esos relatos de la pérdida. “Yo con la vida estancada / mientras que vienes y vas / nunca me pides nada, pero tampoco lo das”. Y la paciencia acucia, es el hastío, es el cansancio. Son las ganas de que las cosas vayan por otro lado. El pop clamando la pérdida y con final glorioso.



Videoclip de "Insuficiente" dirigido por Àlex Montoya.

lunes, 20 de julio de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #54 YO LA TENGO “James and Ira demonstrate mysticism and some confusion holds”



Portada del EP 'We Have Amnesia Sometimes'.


Yo La Tengo ensayando para este EP.


YO LA TENGO
“James and Ira demonstrate mysticism and some confusion holds”
Publicado el lunes 13 de junio de 2020 en su bandcamp y a la venta.
Incluido en el EP ‘We have amnesia sometimes’.
Editado por Matador Records.
Escucha el EP aquí.


          LA PSICODELIA TE ACOMPAÑA
El trío estadounidense Yo La Tengo, naturales de Hoboken (New Jersey), son una de las bandas más curiosas y especiales. Sus directos son brutales. De los mejores que he visto. Una pura explosión de melodías y desarrollos. Cuentan con un estilo de pop, rock y psicodelia propio e irrepetible.

Yo La Tengo atesoran una larga carrera discográfica y como banda. Llevan desde los 80 juntos y han grabado más de una quincena de discos. Algunos de ellos son discos antológicos como ‘Electr-o-pura’ (1995) o ‘I can hear my heart beat as one’ (1997), ‘And then nothing turned itself inside-out’ (2000). Siempre se han movido en los márgenes musicales, en el underground, pero aumentando su número de seguidores con los años. Para mi se encuentran entre esa colección de bandas que merecen un lugar especial en la historia de la música, por su originalidad y por su fidelidad a un sonido que evoluciona paso a paso. Para prueba este nuevo EP.

‘We have amnesia’ supone un avance más desde ‘There’s a riot going on’ (2020). Pero aquí la clave es el rollo instrumental. Una clave que me recuerda el concepto de ‘The Sounds of the Sounds of Sciene’ (2002) cuando pusieron música a documentales científicos de Jean Painlevé. Estas cinco nuevas canciones, publicadas una al día la semana pasada entre el lunes y viernes, surgen de ensayos e improvisaciones, en los que los resultados les gustaron tanto que les incitó a publicarlas, explica Ira Kaplan en su bandcamp. Son canciones grabadas a finales de abril. Por lo que influye el clima de confinamiento. Sus paisajes sonoros hablan de naturalezas posibles, de sonidos perdidos, de estructuras encontradas. Hay una amplia paleta sonora, un dibujo abierto de la realidad. Algo que siempre ha caracterizado a Yo La Tengo.

En esta canción que abre su nuevo trabajo demuestra el poder del espíritu, ¿misticismo?, ante la sorpresa del entorno. Como sobrecoge musicalmente una pandemia. Y refleja esas sensaciones en clave de mantra de leve psicodelia rock. Yo La Tengo envuelven, sobrecogen, abrazan la realidad para dejarnos llevar por los sentidos. Ese es el poder del trío Yo La Tengo: con ellos la música se explaya, discurre en la existencia, y también nos transforma, nos afecta, nos toca. La música como experiencia.







En esta actuación de 2018, de poco más de una hora, 
podéis comprobar la sinergia en directo de la banda.

viernes, 17 de julio de 2020

MÚSICA / #NovedadesDiscográficas RomeroMartín ‘Manifiesto’






RomeroMartín
‘Manifiesto’
Editado por RomeroMartín y Ground Control.
          Fechas de lanzamiento, jueves 30 de abril de 2020.
                  
          CUANDO VAS MÁS ALLÁ DE LAS RAÍCES:
FEYCS (FLAMENCO, ELECTRÓNICA Y CONCIENCIA SOCIAL)
         Escuché al dúo RomeroMartín por primera vez en directo en una fiesta montada por el festival Monkey Week en la sala El Sol el pasado mes de febrero en un cartel que compartían con Bronquio y Le Parody. Y me pareció una propuesta sorprendente que combinaba flamenco con electrónica con muy buen tino. Fue un concierto de poco más de media hora bien comprimido. Pero un auténtico dardo musical. Un impacto de esos que dejan huella.

         Con su disco ‘Manifiesto’ se presentan en sociedad. Ocho canciones con un discurso directo, franco y sin contemplaciones. Lo suyo es una mezcla curiosa, el cante aflamencado con bases electrónicas. Una combinación cuando menos original. Ocho canciones que no dejan indiferente. Canciones posicionadas frontalmente como “Nana del Culo” sobre la homosexualidad, o “Tango de la coca” que habla de la adoración del alcaloide. ‘Manifiesto’ es denso, rugoso. Propone un trayecto escurridizo pero de tantas curvas y quiebros sabemos que hay algo fresco en este viaje. Ofrece emociones rotundas, sin red. Como si estiraramos el flamenco hasta la madrugada, en una fiesta gitana pero más en formato de rave. Dicen que Martín tiene querencia por los sonidos Warp, yo le veo más libre, como si a veces quisiera abrazar la energía del funk de las favelas brasileñas o del kuduro.




         El dúo formado por Álvaro Romero (voces) y Toni Martín (productor, bases y programaciones) se define como “aviadores kamikazes en constante caída libre. Nuestra ansia caníbal por devorar conocimiento nos delata. El arte es promiscuo por naturaleza”. Romero gaditano, de El Puerto de Santa María; Martín, malagueño. Romero es un buscador de sensaciones, estira tanto la cuerda que corre riesgo de darte. Cataliza el verso libre, ajeno a géneros (habla como si fuera hombre, mujer o trans), también recoge versos de poetas, como del homosexual Pedro Lemebel, colabora con artistas diversos (Rosario Toledo, Raúl Cantizano, Ángel Atienza, Pedro (Los Voluble) Atienza, entre otros) y no calla en lo que le urge. Algo que no siempre agrada, que no es amable, que tiene la direza Dicen de ellos que recogen “la víscera poética de Lorca hasta el expresionismo incómodo de Val del Omar. Proponen un viaje de cráneo y sin freno por el abismo que separa el amor del odio”.

El disco de 8 canciones, comprimido en algo más de 30 minutos, arranca con “Saeta del pirómano”. Respeta ciertas estructuras del cante flamenco, y les pasan el tamiz electrónico. Vuela libre el pirómano, el génesis aparece. “Mariana” entra fina, con la elegancia del fandango. Y le sigue la solemnidad de “Granaína de la herida”, con una letra de liberación sexual. “Que sí, que no” fue su primer sencillo y adopta una fuerza sin igual.  “Nací como quise yo” (Zambra) muestra frustraciones y deseos, el legado familiar. “Nana del culo” es una demoledora crítica contra el machismo y la virilidad absurdan. Una manera de señalar a los que desprecian y faltan al respeto a los homosexuales. Y acaba con la Rumba de 1914, con una historia de tejes y manejes, de inmigración, de la gente de raza, de Cuba y de lo que haga falta. Cierre con solera.



Un disco fulminante. En el que tragas un poco de saliva, porque se impone con un impacto. Cuesta entrar pero una vez lo haces te sientes libre. En un terreno novedoso. Conseguirá detractores entre los ortodoxos del flamenco. Pero es que el público natural que tendrá RomeroMartín es un público desprejuiciado. Que no entiende de marcos férreos, que quiere libertad, respeto y cambiar estigmas que son un lastre para la sociedad. RomeroMartín son un revulsivo a la tradición: se apoyan en ella y la adelantan por la izquierda.