viernes, 30 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #123 DJ MODERNO “Sigo aquí sentado”





 


DJ MODERNO

“Sigo aquí sentado”

Single publicado el viernes 9 de octubre en las plataformas de streaming, y a la venta.

FEP Producciones.

Web.

Puedes escuchar a Dj Moderno en su soundcloud o en su mixcloud.

 

                ¿DISTANCIA SOCIAL? EL PODER DEL RITMO

         El músico, productor y dj navarro Germán Ormaechea, conocido como DJ Moderno, está pletóricamente activo últimamente. Sesiones en streaming, conciertos en streaming con FEP producciones, remixes, bajista en Igeldo y con Amy Jo Doh & The Spangles, booking y management.

         Hoy precisamente Dj Moderno estrena nuevo sencillo “Virus Mutante”, canción en clave tecnopop, a la que quiero dar más escuchas, pero que está entre Dorian y Die Antwoord. Lleva un año de producciones propias. Lo primero fue  junto a Yeguas Blancas versionó en clave electropop el “Eres” de Massiel editado a finales de agosto.  

Dj Moderno se estrenó como autor con el sencillo “Sigo aquí sentado” dónde apuesta por “el pop electrónico, buscando sonidos de electrónica suave, melancólica y ensoñadora cercanos a bandas como Glassio o The Postal Service” comenta Dj Moderno. A mí me convencen las bases y las líneas melódicas utilizadas, que tienen mucho gancho. Con ecos de WAS, de David Kano, de Digitalism o de MGMT. La canción ha sido grabada y mezclada en Moderno’s Terrace donde DJ Moderno ha tocado todos los instrumentos y ha sido masterizada en los estudios Eternal Midnight por Xergio Córdoba.

“La letra nos habla de la situación actual que vivimos, de la incapacidad de actuar o pinchar y de la necesidad de trabajar en streaming para mantener algo de actividad en un circuito, como es el de conciertos y sesiones dj, totalmente anulado actualmente por la crisis sanitaria que vivimos”, nos explica Dj Moderno. El single viene acompañado de un videoclip muy personal, dirigido y editado por syx Estudio (Ximena y Sergio).

Frente al miedo, a las dificultades actuales, resistencia y actividad. La idea del DJ Moderno es ofrecer material nuevo cada semana a su base de fans bien en forma de sesión, de remix o de nueva producción. Digno de elogiar ese esfuerzo por seguir pese a todo. Es el poder del ritmo, frente a la distancia social ¿Resistiremos? No queda otra.







miércoles, 28 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #122 PABLO MARTÍN CAMINERO “El tema raro del disco”




Pablo Martín Caminero por Noah Saye (c).


*Leo aquí, al buscar los perfiles de los músicos para mencionarlos en redes, que el pasado 13 de septiembre de 2020 falleció de forma repentina el trombonista Toni Belenguer, nacido en 1978 en Valencia. Vinculado a Sedajazz, destacó con el Toni Belenguer Quintet, colaboró con Michael Brecker, Al Foster, Ki Sap, The Prototype, Perico Sambeat, la Orquesta de cámara del Teatre Lliure, Abe Rabade, Ramón Cardo Big Band, Luis Vidal, Celia Mur, entre otros. Vaya a él dedicado este texto. 

 


PABLO MARTÍN CAMINERO

“El tema raro del disco”

Incluido en el disco ‘Bost’ publicado el jueves 6 de febrero en las plataformas de streaming, y a la venta.

Autoeditado.

Web.

 


     JAZZ CON GUASA

    El contrabajista, compositor y productor Pablo Martín-Caminero representa a uno de nuestros grandes jazzistas de mediana edad de la riquísima escena española. Nacido en Vitoria en 1974, se formó en Viena y se instaló en Madrid hace décadas para dedicarse de lleno a la música. Y no ha parado de colaborar con grandes nombres como Gerardo Núñez (a quién le dedica un Blues en su último disco), Chano Domínguez, Jorge Pardo, Niño Josele, Rocío Molina, Rosario La Tremendita, entre muchos otros proyectos de flamenco, de jazz o de barroco (Abe Rábade Trío, Ultra High Flamenco, bandART, Hippocampus, Enrike Solínis, Flamenco Standards, Fellini Project, Double Bach). 

    En esa unión o conjunción con otros músicos se observa el diálogo fluido que Pablo Martín Caminero establece. Se percibe que congenia con ellos, y que entre ellos se aportan, se alumbran, se estimulan, se enriquecen. De ahí que haya colaborado con tanta gente. Se adapta bien al free jazz, al flamenco, a los estándars, o a los sonidos clásicos. Y no solo como contrabajista, sino como compositor y productor

    ‘Bost’ es su cuarto trabajo publicado bajo su nombre, le precedieron: ‘Doméstica’ (2005) bajo Pablo Martín-Caminero, ‘El Caminero’ (2011) bajo Pablo Martín Quintet, y ‘O.F.N.I’ (2014), Objeto Flamenco No Identificado bajo Pablo M. Caminero y ‘Salto al Vacío’ (2016). Bost significa cinco en euskera, y lo firma con su quinteto actual junto a Ariel Brínguez (saxo); Toni Belenguer (trombón); Moisés P. Sánchez (piano) y Michael Olivera (batería). Se trata de un disco de jazz muy fresco, radiante en cuanto a mezclas, que atesora grandes logros de combinaciones posibles y de universos tejidos. ‘Bost’ contiene ocho canciones que son templos de libertad. Donde el jazz se explaya, se expande en sus dominios, en sus conceptos.

    En 46 minutos comprime 8 temas que se mueven libres por el blues, el free jazz. Con un talante que le lleva desde la buena vibra y la tensión inicial (‘Bost’), al homenaje sentido, la balada intimista (“Manoli”) o el swing clásico y flamenco (“Fkotr”). Aporta guasa a los títulos como “El tema raro del disco” (o “Variaciones Instagram”). Bost lo ha grabado en Camaleón Music Studio con el batería / ingeniero Shayan Fathi y con los vídeos de Noah Shaye. “El tema raro del disco” describe el vuelo que tiene el jazz cuando estás entre amigos, con saltos, cambios, y quiebros, y como las piezas crecen desde la calma, en ese intervalo de transición, de respeto por el otro, en la concatenación de las capacidades expresivas de cada instrumento. ‘Bost’ son cinco pero musicalmente equivalen a legión, a masa musical que ama el jazz. Un combinado heterodoxo para almas libres. Un regalo para los oídos.
 








martes, 27 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #121 COQUE MALLA “Calma”

 



 COQUE MALLA

“Calma”

Single publicado el miércoles 6 de mayo en las plataformas de streaming, y a la venta.

Warner Music Spain.

Web.

 


    BUSCANDO LA PAZ

    El músico madrileño Coque Malla lleva décadas demostrando su calidad compositiva. Conviene apreciar nuestro patrimonio musical popular. Hay que decirlo más alto y claro. En España contamos con una generación de cantautores (lo que los anglosajones llaman songwriters) de alto copete, de grandísima calidad. Este numeroso elenco de cantautores representa la joya de la corona. Nos regalan canciones como monumentos, como sellos culturales indiscutibles del talento de aquí. Ondeantes y luminosas en ocasiones, descorazonadoras y melancólicas en otras. Canciones que deberían acompañarnos y hacernos sentir orgullosos. Son banderas de concordia y no objeto de disputas.

    En la última década Malla ha compuesto un disco homenaje a Ruben Blades, otro a Lou Reed y a ‘Transformer’, un disco con las mujeres como protagonistas (Leonor Watling, Jeannette, Ángela Molina, Rebeca Jiménez, Anni B Sweet, Maria Rodés, Alondra Bentley, o discos en solitario, el último ‘¿Revolución?’ (2019), donde colaboraba con el rapero Kase.O o con Jaime Urrutia. Todas ellas muestras del universo variopinto por el que se mueve el madrileño.

    En pleno confinamiento, Coque Malla aprovechó para componer y publicar “Calma”. “El otro día, con un bajón importante, he de decir, escribí y compuse esto. Espero que no os parezca oportunista. Creo que no lo es porque os juro que me salió del alma. Vosotros juzgaréis. No os preocupéis, el bajón ya se ha pasado y ahora estoy tranquilo y acostumbrándome a esta situación extraña. La canción habla de calma y esperanza, espero de corazón que os sea útil. Me gustaría dedicársela al gran Luis Eduardo Aute y a su familia. Mucho ánimo, mucha fuerza y mucha calma”, escribía Coque Malla.

    “Calma” me recuerda la magia compositiva que tenía Antonio Vega: una especie de “El Sitio de Mi Recreo” pero en 2020. Una reflexión acerca de todos los estados que nos dejó el confinamiento, la pandemia, el miedo, la calma, etcétera. “Deberíamos estar unidos / como jamás conocimos nuestra unión / Paremos el motor / escuchando el latido interior, / el que nos dice la verdad / a quién creer, de quién dudar, a quién tocar, a quién amar con calma” nos canta. La música también nos arropa para superar todo lo devastado. Porque no olvidemos que la música es un revulsivo muy eficaz. Que tiene la capacidad de alimentarnos espiritualmente y de aliviar los impactos de la vida. Sólo por eso, esta “Calma” nos sirve de suave bálsamo con el que sanar las heridas.






 

lunes, 26 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #120 RENALDO & CLARA “L’amor fa calor”

 


Portada del disco. Foto de Aidana Eskenazi (c)



Foto de la banda por Aidana Eskenazi (c).


RENALDO & CLARA

“L’amor fa calor”

Single publicado el viernes 4 de septiembre de 2020, incluido en el álbum de título homónimo publicado el viernes 18 de septiembre en las plataformas de streaming, y a la venta.

Primavera Labels.

Puedes escuchar a Renaldo & Clara en su bandcamp.


        

          MÚSICA ENSOÑADORA      

         El trío catalán Renaldo & Clara han dado un pequeño giro a su carrera con su tercer disco. Dejan el sello independiente Bankrobber y fichan por Primavera Labels. Perfilan su sonido hacia otras direcciones, siguen anclados en un pop naif cargado de detalles y con cada vez mayor importancia de las programaciones y de los sintes. Basculando entre el dream pop, el synth pop, lo naif y lo sugerente y poético.

         Su propuesta tiene mucho de ensoñador, de pequeño oasis del pop. En las 9 canciones hay espacio para apuntes vocales que dan un punto world music (“Història”), es como si su música quisiera impregnarse de sonidos brasileños o más latinos (“Milions” o las programaciones de “L’atur és el futur”).

Renaldo & Clara son: Clara Viñals: voz y guitarra eléctrica; Víctor Ayuso: guitarra eléctrica, acústica y clásica, teclados, programaciones, bajo y batería y Hugo Alarcón: rhodes, piano, teclados, guitarra eléctrica y voz. Todo encaja en un abanico de sonidos contagiosos, donde el pop preside  plagado de detalles interesantes y dónde lo sencillo y lo naif dominan el todo.

La canción “L’amor fa calor” tiene el gancho del pop de sintetizadores. Con un punto poético en la letra. “Todo lo que tocas se convierte en fuego / En medio de las llamas explota el corazón / Coges aire / Te coges fuerte / Con qué ganas / Sale todo volando”.  Es una canción con una apariencia minimalista pero con detalles y atmósferas bastante sugerentes (esos bajos y esos sintes tan futuristas), como queriendo aportar texturas elásticas, que potencien el punto ensoñador que tanto les define. Una canción que atrapa.



"Fent amics" de su segundo disco de 2017.
   

"Gira-sols" de su primer disco de 2014.

jueves, 22 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #119 SUEY “Hologram girl”



Artwork por Laura Agustí Banyolas.




Suey por Azategui.


SUEY

“Hologram girl”

Incluido en al disco ‘Family Secrets’ publicado el lunes 6 de marzo de 2017 en plataformas digitales, y a la venta.

Autoeditado / distribución La Cúpula.

Escucha el disco entero aquí (YouTube Music).




 

      LA ELECTRÓNICA ELEGANTE

     El músico, dj y productor madrileño César Sala, conocido artísticamente como Chop Suey, se retiró durante algo más de una década de la primera línea musical tras tres discos y cosechar éxitos como el Goya a la mejor canción original en 2004 con “Humans like you” incluida en la banda sonora de la película ‘Mi vida sin mí’ de Isabel Coixet. Su anterior disco fue ‘Bipolar’ (Lovemonk, 2005) y de ahí hasta este ‘Family Secrets’, su último lanzamiento discográfico hasta la fecha con el que acortó su nombre a Suey. Estos secretos de familia son fruto de mucho trabajo casero con su ordenador “lo hice casi todo yo solo: letra, música, voz y producción”, nos relata. Un disco autoproducido del que tan sólo editó 500 copias promocionales de cds. Actualmente el álbum sólo está disponible en formato digital.

   En los créditos del disco cabe mencionar a Cristóbal Montesdeoca que tocó sintetizadores en un par de canciones. A Valentina Sousa, con sus coros, que son importantes en el disco: aportan dimensión, profundidad y continente a las canciones. También aparece un cómplice suyo habitual, Watch TV (Rubén García). En “Hologram Girl”, hace coros y parte de la programación. La grabación de voces, mezcla y mastering se hizo en el estudio de Marc Parrot. “Es un estudio fantástico, de los que ya quedan pocos”. El trabajo de arte (artwork que dicen los anglosajones), o sea la portada, es una maravilla. “Es de la ilustradora Laura Agustí Banyolas. Le pedí un dibujo muy clásico y atemporal de Adán y Eva con la serpiente. El primer secreto familiar de la historia, aunque sea historia mitológica”, desvela César Sala. Sobrevuelan en el disco intuyen esos tomas y dacas de las relaciones familiares.




     Suey practica un synth pop elegante, un pop electrónico pegadizo, que experimenta con ritmos, programaciones, ambientes, melodías, juegos vocales. Bebe mucho de los 80s y de los 90s, me resuenan bandas como Pet Shop Boys (“All True” ), Erasure (en “Alien” o “God”, y su timbre de voz me recuerda el de Andy Bell, aunque unas octavas más grave) o Information Society (por ejemplo en “Mutant Flower”). Conecta sus desarrollos con la tecnología actual y crea canciones hechizantes, que embelesan y enganchan por su alto potencial melódico y envolvente. Las die canciones que incluye Family Secrets son joyitas con distintos aires: la sinuosa y misteriosa “The Talking Tree”; la enérgica “Love is a Frequency” me trae a los Depeche Mode de “Suffer Well”; el ambient ceremonial de “Twin”; la excelsa versión del “Road to Nowhere” de los Talking Heads, y es que ¡viva David Byrne! Family Secrets es un disco que pasó algo desapercibido y que merecería una revisión. Suey es nuestro astro de la composición con sustancia, podría ser nuestro Pet Shop Boys patrio (en ese 30 aniversario del ‘Beahvior’), nuestro Martin L. Gore o representar la chispa de Future Islands.

     “Hologram girl” me parece un temazo en toda regla. Una canción oculta en la recta final del disco (es el octavo corte) pero con un desarrollo creciente e incisivo en bases cortantes y secuenciadores que se expanden. Ingredientes que anticipan una melodía vocal que encandila. Luego aprecias cómo las melodías se prolongan, se alargan para conseguir un efecto elástico. Finalmente sientes como si un holograma te acompañase para hacerte compañía en un viaje interior. En 5 minutos recorres un paraje sugerente, que evoca aquello a lo que tu imaginación quiera llevarte.   







miércoles, 21 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #118 HARLAN T. BOBO “Wife”




 

HARLAN T. BOBO

“Wife”

Canción incluida en su disco ‘A History of Violence’, publicado el 22 de junio de 2018 disponible en las plataformas de streaming, y a la venta.

Goner Records.

Escúchale en su bandcamp.



            CUANDO LA VIDA DUELE

El músico estadounidense Harlan T. Bobo vive en Europa desde hace unos años. Concretamente en Perpignan, Francia, desde 2014. Cambios geográficos, imperativos de pareja e hijo mediante, pero no cambios estilísticos. Harlan T. Bobo desprende rock y country alternativo a borbotones. Me descubrió su música mi amigo el poeta Óscar Aguado, que gasta un excelente gusto por los songwriters más sorprendentes, sean locales o foráneos. Y ahora, después de escucharle atentamente porque le generaba esa pasión.

En 2018 Harlan T. Bobo publicó ‘A History of Violence’ su cuarto y último disco. Un disco que atesora grandes dosis de rock, desde la calma (del sencillo “Ghost” o de “Wife”) a los riffs y solos vibrantes (“Human” muy a lo Mark Lanegan, “Spiders” en la onda de Jon Spencer, Lou Reed o incluso de The Hives, “Nadine”, “Storied”) que rozan lo explosivo (llegando casi al espíritu punk en “Town” o “Paula”). Harlan muestra una urgencia al límite, transmite visceralidad y una premura acuciante. Queriendo atraparte con esa adrenalina tan efectiva y poderosa del rock de tintes tenebrosos, que refleja la incertidumbre de un mundo salvaje, a veces sin piedad.

Su anterior disco. ‘Sucker’, data de 2010. En los años posteriores tocó con The Memphis Symphony Orchestra arreglando sus canciones en un formato de música de cámara, y también estuvo tocando con la banda The Fuzz. De este disco destaco esos teclados que más que adornar, visten con elegancia las canciones y su voz es cavernosa, tiene ese punto de cazallero canalla de bebedor de whisky y fumador. El disco es bastante redondo, contando con distintos estadios bien templados, que siguen el ritmo de los acontecimientos sin desbocarse ni apagarse.

Es su disco más áspero y complejo. Lo grabó en Memphis con Doug Easley (que ha trabajado con gente de la talla de Cat Power, Pavement, Wilco, Sonic Youth, Jon Spencer y Jeff Buckley) y contó con los músicos Steve Selvidge (The Hold Steady, Bash & Pop) al bajo, Jeff “Bunny” Dutton (Action Family) a la guitarra, así como con Jeff Bouck (Polyphonic Spree) y Brendan Spangler (Viva l’American Death Ray).

Tras la tormenta rockera de la recta final del álbum, “Wife” cierra el disco en la onda de una una preciosa balada en la que resuena Richard Hawley, Tom Waits o Leonard Cohen. “Wife” nos desarma, por su franqueza, por ese lado maldito que esconde, la bestia que lleva dentro y cómo calmarla desde la otra ¿Sabiduría rock? Más bien la templanza que otorga vida. Vida que Harlan T. Bobo nos narra desde las entrañas.

               

                           
















martes, 20 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #117 JACOBO SERRA “A plena luz” feat. Xoel López





JACOBO SERRA

“A plena luz” feat. Xoel López

Single publicado el miércoles 6 de mayo en las plataformas de streaming, y a la venta.

Warner Music Spain.

Web.


 

          HECHO A UNO MISMO

      Hay que decirlo más alto y claro. En España contamos con una generación de cantautores (lo que los anglosajones llaman songwriters) de alto copete, de grandísima calidad. Este numeroso elenco de cantautores representa la joya de la corona. Nos regalan canciones como monumentos, como sellos culturales indiscutibles del talento de aquí. Ondeantes y luminosas, las canciones deberían hacernos estar orgullosos. Son banderas de concordia y no objeto de disputas.

         Artistas merecen su reconocimiento. Especialmente cuando se trata de artistas que crecen y crecen de manera sustantiva y exponencial, como Jacobo Serra, y que se acompañan de otros grandes como Xoel López (Elephant Band, ex Deluxe y otros proyectos puntuales como Lovely Luna) en la canción que hoy nos ocupa.

La evolución de Serra ha sido majestuosa, dominando la lengua shakesperiana con dos EPs ‘The World I Never Say’ (Peer Music, 2012), ‘Icebergs’ (Artyfacts, 2016), cuya canción titular ya apuntaba al español como lengua protagonista; y dos álbums ‘Don’t Give Up’ (Artyfacts, 2014) y ‘Fuego Artificial’ (Warner Music Spain, 2017), éste último enteramente en castellano.

Considero a Serra un nombre propio, imponente, indiscutible entre esos compositores con sello propio, sabor único y arreglos mágicos. Y canciones redondas. Conjuga intimidad folk, americana y country alternativo en una dimensión muy pop, jugando con universales y moviéndose con localismos genuinos.       

“A plena luz” habla de perderse, de difuminarse, de vivir en la sombra a pesar de estar a plena luz. Del dolor, de la voz. De rendirse, de caer, y volver a levantarse, reponerse del revés. Porque hay que perderse para luego encontrarse. Y, recuerda: “soy mi propia luz”. Una canción de Serra con ayuda de Juanma Latorre (Vetusta Morla), su productor desde 'Fuego Artificial' . La música resulta elocuente, con un punto armónico impresionante, dónde las voces de Serra y López se lucen y combinan, contrastan, se nutren. Me recuerda los arreglos soberbios de Talk Talk o de Tears for Fears. Como hacer de lo sencillo algo sublime. De la tragedia, superación.


                           







lunes, 19 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #116 CÉCILE SERAUD “Life”

 


Portada de 'Shoden'. Artwork by Yoann Buffeteau



Foto de Cédric Raylet (c).


CÉCILE SERAUD

“Life”

Single publicado el viernes 11 de septiembre en las plataformas de streaming, y a la venta. Adelanto de su primer álbum ‘Shoden’ que se publicará el 23 de octubre.

Autoeditado.

Puedes escuchar a Cécile Seraud en su bandcamp.



      LA MÚSICA COMO SALIDA

    La pianista francesa Cécile Seraud comparte con Yann Tiersen región. Y también atmósferas. Ella es bretona de Lorient. Publica próximamente su primer disco a sus 42 años, en un quiebro vital de esos reveladores de quién decide dedicarse a la música de lleno. Un sueño siempre presente le cambió todo: decidió autorregalarse un piano. Y desde luego se nota mucho trabajo técnico, muchas horas de ensayos y una conciencia compositiva.

    Con una formación completa en el conservatorio pero en guitarra clásica. Reconoce que con el piano sintió “un flechazo. Ha sido una manera de ir hacia lo más íntimo. De dialogar con mi inconsciente. Estas melodías, me ha permitido acercarme a la emoción, a la inocencia, a la espontaneidad”, explica. Seraud capta con el piano muchas sensaciones, lo dirige con su técnica allí donde quiere ir.

    El compositor Sylvain Texier (Ô Lake, Fragments) ha sido quien ha guiado a Seraud en esta grabación. Los contemporáneos Yann Tiersen, múm, Sigúr Ros, Ólafur Arnalds, Ärvo Part, o los clásicos Chopin, Satie o Philip Glass planean como referencias destacadas. En la música de Seraud abundan los paisajes brumosos, el misterio, la intriga o la revelación. Y juega su papel lo atemporal. Navega en la incertidumbre, pero se afianza con decisión en el sentimiento que aporta luz y espacio.        

    Seraud se debate entre el surf y la filosofía y evita las etiquetas, porque no le hacen sentir libre. Ella se escuda en la sensibilidad y en la inteligencia humana, además de en su piano, y se acompaña de un chelo en algunas piezas. ‘Shoden’ discurre por un camino de luces y sombras, por etapas largas y sinuosas, por caídas precipitadas, cuestas imponentes. Sustancia terrenal. Evocaciones simbólicas, etéreas. Como si el alma quisiera inventarse lugares inexistentes. Y, así sucede.

    “Life” single adelanto, y canción que cierra Shoden, suena a presagio, al horizonte que se rebela desde la distancia. La vida como objetivo, el tejido emocional como consorte y la proyección musical como armada invencible. Vida que resuena en la cueva de los recuerdos, sale de la caverna para escapar de las sombras y asomarse al devenir.



Foto de Cédric Raylet (c).



Foto de Cédric Raylet (c).




viernes, 16 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #115 BRONQUIO “Na” feat. Le Parody




Bronquio, foto María Caparrós (c).


BRONQUIO

“Na” feat. Le Parody

Incluido en su EP ‘Vol.2’ publicado el 15 de octubre de 2020, disponible en las plataformas de streaming, y a la venta.

Loveplugged / Altafonte.

Web.

Puedes escuchar a Bronquio en Spotify.

 

         SIN PREJUICIOS

         El andaluz Bronquio es uno de los nuevos grandes talentos de la electrónica libre, que mezcla estilos, se adapta a las músicas urbanas como a otros estilos tan dispares como el drum and bass, el punk pop o el flamenco. Y es que despacha puros pelotazos, sus remixes son brutales (para Favx, Camellos o Raquel Márquez), sus cameos impecable (sea con Carlangas de Novedades Carminha, con Natalia Lacunza, con Esteban & Manuel, con Vera Fauna o con Pablo Peña). Su alianza con 41V1L tiene recorrido, desde sus primeros singles en 2018 y le da un punto efectivo e infalible entre trap y hip-hop. Entre las referencias de Bronquio señala Modeselektor, Pony Bravo, Blawan, Aphex Twin, New Order o Burial.

     En este 2020 Bronquio está que se sale, más activo si cabe que los dos años anteriores. Ha publicado dos EPs, ‘Vol. 1’ el 25 de junio, y ‘Vol. 2’ ahora en octubre. Sus mezclas explosivas combinan electro, drum and bass, beats acelerados, con rollito urbano y letras muy de la calle, de vivir la vida joven. Se nota que Bronquio ha sido dj o al menos ejerce técnica en su directo. Le pude ver a mitad de febrero de este año en la sala El Sol de Madrid, y puedo decir que anima y se deja la piel. Sus producciones destacan por su nivel de matices y detalles. Con un punto muy idóneo para bailar pero también para caldear el ambiente. Además cuenta con una virtud propia, y es que no estira el minutaje sus producciones, les da la duración que precisa, que no suelen ser más de 4 minutos. Es responsable de la producción de “Sombrero Roto” el último disco de Kiko Veneno de 2019. Y desde septiembre tiene la sección “El mashup imposble” en el programa de Radio 3 ‘Hoy empieza todo’ dirigido por Ángel Carmona.

        “Cocowawa” fue el single que adelantó este EP, con la colaboración de 4IVIL, en un ambiente apocalíptico “todos vamos a morir”, aunque suene una canción infantil como “Cocowawa”, lo que prima son Samples, glitches, ritmos entrecortados, sincopados y tranquimazines. Música que retrata la angustia actual. El EP también incluye “Na” la primera colaboración con Le Parody, y gusta porque Bronquio se adentra en el universo de la andaluza, amadrileñada, en ese rollito flamenco con electrónica ligera, que resulta tan seductora y sabrosa. Oigan, más allá de La Mala hay lujo ibérico.



"Na" tema compuesto por Bronquio y Le Parody.
Videoclip realizado por Alejandro Sánchez Cuenca.
Interpretado por Le Parody.
















jueves, 15 de octubre de 2020

MÚSICA / #UnaCanciónAlDía #114 DROP COLLECTIVE “My Daylight”

 



 

DROP COLLECTIVE

“My Daylight”

Su nuevo single y videoclip ha sido publicado, en primicia en la web de Enderrock, el martes 13 de octubre de 2020.

Autoeditado.

Puedes escuchar el primer disco de Drop Collectiv, ‘Stormin’’, aquí .

En Spotify puedes escuchar canciones inéditas, incluidas en recopilatorios, como “Unity” o “What a Difference”.

Visita su web.




   UN SOPLO DE LUZ

  El sonido jamaicano quizás no se prodigue tanto por nuestros lares como en nuestra vecina Francia o en el Reino Unido. Pero lo cierto es que esa impresión puede que no sea tan real al comprobar la cantidad de vínculos y propuestas que hay en la escena, muy rica en Madrid, Valencia, Cataluña y País Vasco.

  Conocí a Drop Collective, por el amigo Jaime Bajo, melómano, periodista y escritor. De quién me fío por su certero criterio musical. Y me sorprendió de buenas a primeras esta banda de diez componentes porque ofrece una propuesta bien interesante. En esa fusión de raíces, de jazz con música jamaicana. De intimismo con espíritu festivo. De respetar lo clásico y ofrecerle un barniz más moderno o variopinto. De combinar lo ortodoxo con la magia de lo improvisado, de la jam session.

  Yo en mi despiste, no les conocía. Y algo así no puede pasar desapercibido. En Drop Collective hay talento, un colectivo que cae, que gotea, que salpica, que moja: músicos rodados (de conservatorio o con largo recorrido), con mucha profesionalidad, mimo y buen gusto. Se estrenaron de largo con Stormin’ (La Panchita Records, 2018) una colección de estándars de jazz de primer nivel (“Tenderly” “Who Cares” “I Fall In Love In Love Too Easily” o “I’m Beggining To See the Light” entre otras), bajo su filtro jamaicano, con mezcla y edición de Chalart58 (excelente productor que trabaja con Fermín Muguruza y Manu Chao

   Los diez culpables, o responsables, de elevar ese legado de la música negra y su fusión con el universo jamaicano (ska, reggae) son Maria del Rio (voz); Arnau Morell (trompeta & Flugelhorn); Alba Alsina (saxo alto); Iñigo Peña (saxo tenor); Pablo Martin (trombón); Andreu Domènech (saxo barítono); Daniel Ferruz (teclados); Armando Erenas (guitarra eléctrica); Carlos Bayolo (bajo); Jake Klamburg (batería). Desde ya tengo ganas de verles en directo.


   Este año publicaron el inédito sabroso “What a Difference”, un medio tiempo muy rítmico incluido en el recopilatorio ‘Jamaicat. Jamaica Sounds From Catalonia’ editado en febrero por Liquidator Music, con 21 bandas catalanas del género ska, rcoksteady y reggae. Ya habían publicado anteriormente “Unity” en el recopilatorio ‘Libertad de Expresión’ (La Panchita Records, 2019), una canción de corte reggae con pegada, soltura y mensaje. 

   Ahora publican “My Daylight”, su primera canción propia (compuesta por Daniel Ferruz): sedosa, sugerente, vibrante en los metales. Aquí hay mucho juego cargado de ritmos vibrantes y cálidos, la voz de María ayuda, los contrastes de viento, los apuntes de teclado, la guitarra acompañando y brillando junto a una base rítmica sólida. Intuyo en Drop Collective una buena proyección: ganas de llegar y conmover. El videoclip, de Terral Studio, atraviesa una historia de amor, con cambios de luces y de estados de ánimo. Enfatizando los contrastes. Todo ello bajo el amparo del jazz, vistiendo de Jamaica y fusión melodías vitalistas. Luz para superar los escollos. Buena vibra para llamar a los ancestros y apoyarse en la sabiduría popular.