CINE / Crítica de 'En la casa' de François Ozon

Estrenada el 9 de noviembre de 2012 en España. Puede que mañana no esté en cartelera. Sin embargo, recomiendo verla.

EN LA CASA

Director: François Ozon

Intérpretes: Fabrice Luchini, Kristin Scott-Thomas, Emmanuelle Seigner, Ernst Umhauer

Estrenada en España en noviembre de 2012, la décimo tercera película del francés François Ozon obtuvo la Concha de Oro a la mejor película, premio del jurado y premio al mejor guión de la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, así como el premio de la crítica del Festival de Toronto. En este caso los premios avalan la calidad de una película que tiene mucha fuerza visual y narrativa. Y no es para menos. Cuenta con un plantel de actores de primera línea. El guión es una adaptación de la novela de Juan Mayorga “El chico de la última fila”, una novela que se nos antoja aguda al plantear el peligro de traspasar el límite entre la realidad y la ficción. 

Un profesor de lengua francesa y literatura, inicia un nuevo curso escolar, aburrido del poco interés de sus alumnos por la literatura y el poco talento de sus escolares por la escritura. Sin embargo, descubre una excepción, un chico que observa desde el exterior pero que ansía descubrir el interior de la vida de una familia (un compañero de clase, su padre y su madre) y como ese deseo lo transforma en literatura. El profesor fascinado, le ayuda a perfilar esas redacciones, a construir el relato. La mujer del profesor, galerista de arte contemporáneo, también juega un papel de testigo externo pero visible. La relación adoptada entre el profesor y el alumno, tiene ese aire del maestro que modela, pero también el rastro del escritor frustrado y de quién no ve más allá de la forma y la estructura, de la ficción y se olvida de la realidad. Su alumno no ha vivido en una familia bien avenida, sino en una desestructurada, y ansía algo parecido a la normalidad, a poder tener una relación cariñosa, a sentirse querido. En él surgen las pulsiones sexuales propias de la adolescencia y ese torbellino de imágenes sensuales y sexuales con la mujer adulta, un mito y el reflejo psicoanalítico de la madre.

El guión está perfectamente hilvanado e hilado, la imagen y la sucesión de planos van creando tensión argumental, tienen ese punto de suspense. El descubrimiento del deseo adolescente, de los amigos cercanos, de los modelos externos, de la familia rota y la modélica, de la escuela normalizadora y cuadriculada, de la frustración con la que cargamos en nuestras vidas. Esas nociones comparten escenario con la necesidad de franquear las barreras, las edades, de manipular y jugar con las personas. Tiene mucho de diabólico ‘En la casa’, de un mundo en el que carece de algo lo busca como un perro rabioso y al querer poseerlo, destroza todo lo que pasa a su alrededor.

Ozon hace una radiografía de una sociedad en proceso de descomposición donde la televisión y la comida basura triunfan, el deporte tiene ese don gregario y colectivo, el arte contemporáneo es para gente de otro planeta. Y retrata una sociedad conformista, metódica y borrega. El plano final bien podría ser una versión del cómic de Ibáñez 13 Rue del Percebe al estilo de Michelangelo Antonioni, o incluso al de Alfred Hitchcock de ‘La Ventana Indiscreta’. Y el desenlace final tiene algo de delirio, de una sociedad, se tambalea entre la depresión y la esquizofrenia, y a veces encuentra el equilibrio.

Trailer en VO con subtítulos en español 

http://youtu.be/O1zcbybftIQ

MI CONCIERTO DEL AÑO

He visto muchos conciertos este año, quizás no tantos como hubiese querido. Muchos buenísimos, especialmente los de sonidos más duros, con bandas como The Ex, Japandroids o Mujeres pero también sonidos de la tierra como con Los Evangelistas con ese Homenaje a Enrique Morente, o el rollo slow y penetrante Low, o los siempre imperdibles entre los nacionales se agradece ver a Josele Santiago, Fernando Alfaro (me perdí al estupendo Joaquín Pascual), The Right Ons, Bigott, Maria Coma, Antònia Font, Mishima...Y me he perdido conciertos de altura como Swans, Bon Iver, Jack White, Wilco… Pero este ha sido mi concierto del año.

CUANDO DOS SON UNO: LA COMPLICIDAD REDONDA

Lunes 10 de diciembre

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica (Madrid)

Programa

I

Franz Schubert (1797-1828)

Sonata ‘Arpeggione’ para violonchelo y piano en la menor, D. 821 (1824)

Allegro moderato

Adagio

Allegretto

Johannes Brahms (1833-1897)

Tres Intermezzi, op. 117 (1892)

Andante moderato

Andante ma non troppo e con molta espressione

Andante con moto

II

Felix Mendelssohn (1809-1847)

Romanza sin palabras, op. 109 (1845)

Johannes Brahms (1833-1897)

Sonata para violonchelo y piano en mi menor, op. 38 (1866)

Allegro ma non troppo

Cuando dos virtuosos se juntan todas las cartas apuntan a que el resultado puede ser sublime. Si a eso le sumamos el estilo particular de cada intérprete, la emoción, la pasión que dota a su ejecución el resultado roza la excelencia, lo magnífico. Y si, además, existe una combinación redonda, un lenguaje fluido, una comunicación fresca entre ambos músicos entonces todo sale a pedir de boca.

La velada del lunes pasado fue de esas que pasan a la categoría de antológica o memorable. La pianista portuguesa Maria João Pires junto al violonchelista brasileño Antonio Meneses ofrecieron un recital digno de ser ejemplo de la combinación perfecta de un dúo y que supo ahondar en matices del programa elegido. Schubert, Brahms y Mendelssohn hubiesen estado orgullosos de cómo su obra puede ir más allá. Pires no tenía un excesivo protagonismo en el repertorio, excepto en las obras sólo para piano las tres Intermezzos de Brahms, de una delicia especial, un sentido Andante ma non troppo e con molta espressione; y también en la Romanza sin palabras de Mendelssohn. Pires ponía de manifiesto toda la delicadeza, la finura, el lado tierno, romántico, ensoñador. Pires mimó en su interpretación, la proyección, el carácter mágico y de estas piezas.

Las dos piezas para violonchelo y piano: la sonata “Arpeggione” de Schubert y la sonata en mi menor op. 38 de Brahms, mostraron un dúo donde todo fluye. Un Meneses virtuoso, excelente en su ejecución, en su técnica, pero también en su poder evocador. Eligieron un repertorio cargado de sentimiento, de nostalgia, de magia, de leve melancolía, pero de un enamoramiento por la vida, y sobre todo por la música.

Pires y Meneses demostraron, en mi concierto del año dentro de todas las músicas posibles que veo, que cuando dos piezas encajan forman una unidad indisoluble, impoluta. Una unidad magna, que nos lleva por senderos gozosos. Que nos transmite el porqué de lo fabuloso de la aventura del vivir y del sentir, y del gozar con la música. Cuando eso ocurre, aparece la plenitud de los sentidos. Los músicos y la música ‘culta’ que interpretan, baja a todos los estratos sociales y nos seduce furtivamente. Y el estandarte de ‘élite’ se evapora, y la música clásica se funde con la tierra, con los sentidos, con las emociones y circula por nuestras autopistas del placer. Entonces, descubrimos que todo tiene un sentido: respirar música y envolverse de ella para soportar las inclemencias de los tiempos. Los tiempos clásicos nunca mueren, siempre nos enseñan los rastros, los espejos del pasado.

MADRID EN DANZA 2012

Como no estoy seguro que aparezca este reportaje en http://arndigital.com lo cuelgo aquí

DANZA EN LA CIUDAD

Un año más la danza toma Madrid y los alrededores.  Madrid en Danza suma veintisiete ediciones, más de un cuarto de siglo de un festival con vocación internacional pero que difunde los espectáculos de las mejores compañías españolas venidas de todas partes de nuestra geografía prestando especial atención a las compañías madrileñas. Este año cuenta con veintiuna compañías, cinco de ellas extranjeras

        Por Andrés Castaño

         El lunes arrancó el festival Madrid en Danza con la compañía Losdedae que actuará en diversos ayuntamientos de la Comunidad de Madrid. Aunque el grueso de la programación empezó anoche con Provisional Danza en los Teatros del Canal, que también actúa esta noche y mañana. O la compañía de Marie Chouinard desde hoy hasta el domingo también en los Teatros del Canal, en la Sala Roja.

La programación se prolongará hasta el domingo 25 de noviembre. Tres semanas donde la ciudad respirará danza, El movimiento, espacio, la música y otros elementos se funden en un lenguaje contemporáneo que no para de evolucionar, de buscar sinergias con otros lenguajes artísticos, y de sorprender al público.

Entre los espectáculos siempre destaca la compañía belga Peeping Tom siempre sorprendente, la canadiense Marie Chouniard desafiando las limitaciones físicas, la también canadiense O Vertigo, la compañía francesa Olga Mesa & Hors Champs, la estadounidenses Gallim Dance. Dentro del panorama nacional cabe mencionar a la Compañía Nacional de Danza, La Intrusa Danza de Cataluña, la vasca Dantzaz Konpainia. La parte del flamenco y del español de la mano de la compañía de Jesús Carmona y Cía y de la Cía. Proyecto GR. En  el ámbito local, conviene destacar compañías madrileñas de primera línea como Provisional Danza, Teresa Nieto, Elena Córdoba siempre interesante y rupturista, Losdedae de Chevi Muraday, o Panullo Dancetheatre Co.

Entrevistamos a Ana Cabo, directora artística del festival y asesora de danza de la Comunidad de Madrid. Y a Jon Maya Sein uno de los siete miembros de la compañía vasca Kukai, que presenta el sábado y el domingo en el Real Coliseo de Carlos III de El Escorial con ‘Sorbatza’ (Latidos), un espectáculo de calle.

 

ENTREVISTA A ANA CABO, directora artística del festival

Cambios

Ana Cabo: Del inicio del Festival a la presente edición el Festival Internacional Madrid en Danza ha evolucionado hasta convertirse en un festival referencia en Europa de la creación coreográfica actual. Al mismo tiempo se he convertido en el festival especializado en danza más extenso y plural de España. Es una cita anual para aquellas audiencias interesadas en esta arte escénica y contribuye a presentar espectáculos, artistas, compañías que normalmente no están en la cartelera habitual de nuestros teatros.

XVII edición

A.C: Aporta un enfoque más dirigido a las nuevas producciones y los nuevos artistas. Aporta una decidida apuesta por impulsar la joven creación. En la programación del Festival hemos puesto especial cuidado en proponer también un viaje intergeneracional que permite entender y relacionar los desarrollos estéticos, temáticos, estilísticos de la coreografía. También hemos programado un camión escenario que recorrerá la geografía de la Comunidad de Madrid llevando la danza teatros a pequeñas localidades. Este proyecto simboliza el espíritu nómada de los artistas de la danza, su capacidad de adaptación a los tiempos actuales y su voluntad de acercarse a nuevas audiencias desde el punto de vista de la proximidad cultural.

Impacto de la crisis

A.C: Hay menos producciones este año y los ayuntamientos tienen más dificultades para programar danza dentro de la extensión del Festival en la Red de teatros. Sin embargo hemos conseguido casi mantener el mismo número de días de exhibición y acogido proyectos de residencias de artistas de la danza, de manera que impulsamos el futuro.

Premisas para elaborar una programación

A.C: Excelencia, calidad, excepcionalidad, posibilidad y presupuesto.

El público

A.C: Veo más familias interesadas en este tipo de programación. Creo que se ha diversificado y no solo acude el aficionado a la danza. Creo que se ha ampliado la compresión de la danza y se entienda mejor que la coreografía  contiene multitud de propuestas en las que la danza teatro, el performance, la tecnología, la re-elaboración del folklore, el flamenco “creativo”, la deconstrucción de la técnica académica, la danza urbana, la asunción de dramaturgias, de puestas en escena imaginativas… forman parte de un espectáculo multilateral, imaginativo y osado.

¿La danza necesita mayor difusión?

Sí. Debe entenderse que programar “danza” es lo normal. Hay que atender no a la “geografía” de donde viene una compañía u otra, sino a su calidad, talento. Tiene que normalizarse la programación de danza que es indispensable en cualquier teatro con vocación de ser referencia escénica

Futuro

A.C: Consolidar un programación de danza distinta a la habitual, sujeta a la crítica y la reflexión, que no busca lo fácil sino lo intenso, a ser un punto de encuentro de la danza internacional y sus agentes, que ya viene a Madrid a captar talento y propuestas nuevas.

ENTREVISTA A KUKAI DANTZA

Origen de la compañía

Jon Maya Sein: Kukai nace con el objetivo de realizar espectáculos contemporáneos a partir de la danza tradicional vasca. Desde esa idea impulsa fusiones, colaboraciones, producciones...con diferentes artistas, coreógrafos.

¿Por qué recoger el testigo de la danza tradicional vasca y fusionarlo con un lenguaje contemporáneo?

J. M. S: La danza tradicional vasca, además de su valor histórico, cultural, patrimonial... Creo que tiene gran riqueza de estilos, ritmos, pasos...con los que se puede hacer una nueva creación, tal y como sucede con muchos estilos de danza. Desde ahí comienza nuestro trabajo.

¿Lo tradicional está desprestigiado desde la danza contemporánea?

J.M.S: En el País Vasco no lo creo. Muchos bailarines clásicos, contemporáneos... Se han iniciado en lo tradicional. Y por las cara tísicas de la danza tradicional creo que valoran a los Dantzaris (bailarines tradicionales)

El espectáculo que presentáis en El Escorial une audiovisual con danza ¿Qué pensáis de la fusión de lenguajes? ¿La imagen no se come al movimiento?

J.M.S: La imagen siempre está muy presente en nuestros espectáculos, y también la fusión de lenguajes. Me parece natural esta unión de disciplinas, y también el uso de la imagen. En el caso de LATIDOS creo que se integran muy bien, las proyecciones también suceden en nuestro cuerpo

¿Qué temáticas os gusta abordar más? 

J.M.S: Tenemos dos principales líneas de trabajo. Con Tanttaka teatro hacemos espectáculos muy ligados a la poesía, a la historia y la realidad del país... Por otro lado, tomamos pasajes de la danza tradicional para darles una nueva mirada en colaboración con diferentes coreógrafos contemporáneos.

 

Foto de Gorka Bravo de 'Sorbatza'

¿Qué tiene de especial Sorbatza (‘Latidos’)?

J.M.S: Es un espectáculo de mucha fuerza e intensidad

Con diez años de trayectoria ¿Qué ha cambiado en Kukai Dantza?

J.M.S: Mucho y poco. Poco en las caras, puesto que los bailarines que se iniciaron en a compañía siguen siendo su columna vertebral. Y mucho, porque la compañía va evolucionando constantemente y los últimos trabajos poco tienen que ver con los de los inicios. Aunque la evolución creo que está siendo muy coherente y son pasos que se dan un mismo camino

+ info sobre la programación, compañías horarios y demás en http://www.madrid.org/madridendanza